El cinematógrafo nació en plena época industrial. Los hermanos Lumiére, que llevaban varios años trabajando en su invento y habiendo filmado más de un centenar de películas de un minuto, se decidieron a mostrarle su invento al pueblo de París. Lo presentaron con temor, pues nunca tuvieron confianza en sus posibilidades artísticas ni económicas.

Tras muchas negociaciones con diferentes establecimientos comerciales , incluido el Folíes Bergéres, encontraron un sencillo local decorado al estilo oriental llamado el Salón Indio del Gran Café del Boulevard de los Capuchinos.

Los Lumiére usaron una sala de pequeñas dimensiones, pensando en que si su invento fracasaba pasaría inadvertido. El día de la presentación (considerado oficialmente como el primer momento de la historia del cine), fue el 28 de diciembre de 1895. Tal y cómo pensaron los organizadores, el primer día no fue especialmente extraordinario, pues solo acudieron 35 personas. Tampoco la publicidad fue muy grande y el cartel hecho a la ligera no significó mucho para la gente de la época.

Los Lumiére tuvieron la precaución de pegar en los ventanales  del Grand Café un cartel anunciando el evento, para que los transeúntes y los desocupados de la época pudieran ver lo que significaba aquel invento bautizado como Cinématographe Lumiére. La explicación, impresa en letra cursiva, decía:

"Este aparato, inventado por MM. Auguste y Louis Lumiére, permite recoger todos los movimientos que durante cierto tiempo se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación dichos movimientos proyectando a tamaño natural sus imágenes sobre una pantalla y ante una sala entera".

Según Georges Mèliés (quien asistió a la primera función, dueño de un estudio fotográfico en París, y que  tomó parte en las negociaciones para encontrar la sala), al principio el ambiente era de escepticismo, pero cuando los espectadores vieron moviéndose los carruajes por las calles de Lyon, quedaron petrificados, boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos.

Corrida la voz sobre aquel espectáculo maravilloso, los parisinos llenaron el salón al segundo día y las filas recorrían el bulevar. Los periódicos de París elogiaron su presentación y los hermanos Lumiére aseguraron así a sus incondicionales espectadores.

Aunque los Lumiére tenían un amplio stock de películas, siempre presentaban de primera la cinta 'La salida de la fábrica Lumiére' (La sortie des Usines Lumiére, a Lyon, 1895), que según sus historiadores fue su primer filme.

El repertorio de este cine mudo lo componían cintas familiares, sus hijos comiendo, o de la vida de las calles de Lyon, soldados haciendo la instrucción, y al ser Louis Lumiére muy buen fotógrafo no evitó la utilización de efectos como el humo en una herrería y las nubes de polvo en una demolición, que tuvieron inmenso éxito. No en balde la fotografía era la madre del cine y sus pioneros no evitaron el arte  desde los comienzos.

En los primeros años se hicieron famosas dos películas que dominaron en su show: 'Llegada del tren a la estación' (L’arrivé d’un train en gare de la Ciotat, 1895) y 'El regador regado' (L’arroseur arrosé, 1895), el primer film de humor, de un minuto, de la historia del cine. La primera película que se considera rodada en España es 'Salida de misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza', ( 1896), de Eduardo Jimeno.

El otro pionero

Georges Meliés se entusiasmó tanto con el invento de los Lumiére, que al verlo enseguida le vio posibilidades al espectáculo. Se la ingenió para adquirir un proyector y comenzó a rodar inmediatamente. Al poco tiempo, debido a su conocimiento del mundo de la farándula, había desarrollado su carrera de cineasta, aplicando sus habilidades al mundo del espectáculo en el Teatro Robert Houdini, de París, el cual compró y al que dotó de todo lo necesario para realizar sofisticadas puestas en escena y sorprender a los parisienses con sus decorados, proyecciones, vestuarios y representaciones.

Realizó infinidad de películas utilizando ingeniosos e ingenuos trucos, algunos de los cuales todavía son motivo de discusión sobre cómo se lograron.

A él se deben espectáculos filmados llenos de fantasía y de creatividad. En 1899 rodó  la primera película de diez minutos llamada 'El proceso Dreyfus' (L’affaire Dreyfus,), reportaje periodístico sobre dicho acontecimiento. En 1902, filmó 'Viaje a la luna' (Le voyage dans la lune), un prodigio para la época, en la que utiliza maquetas, filmación a través de un acuario, superposición de imágenes (filmaba sobre fondo negro en doble exposición).

LOS PRIMEROS FILMES

Las diez brevísimas películas de diecisiete metros que componían los primeros programas presentados por los Lumiére mostraban imágenes absolutamente vulgares e inocentes.  Películas que, barajando unas pocas variantes, ofrecían temas bien prosaicos. Volvemos a aclarar que este cien era completamente mudo.  Asi se llamaban: 

1.) La salida de los obreros de la fábrica Lumiére;  2.) Riña de niños;  3.) Los fosos de las Tullerías; 4.). La llegada del tren;  5.) El regimiento; 6.) El herrero;  7.) Partida de naipes, 8.) Destrucción de las malas hierbas; 9.) La demolición de un muro; 10.) El mar.

Nada nuevo ni extraordinario ofrecían estas cintas propias del repertorio de cualquier fotógrafo aficionado de la época.  Pero, a pesar de ello, el impacto que causaron aquellos mini filmes en el ánimo de los espectadores fue tan grande que los diarios parisinos se deshacían en elogios ante aquel invento.

Las nuevas técnicas, el espíritu creativo de los cineastas hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, con el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas quedaron condenada a la historia. El cine mudo había durado 35 años. (Derecha, escena de la película 'El cantor de jazz').

Fue Thomas Alva Edison quien consiguió grabar la voz humana en el fonógrafo. El resultado del invento fue un quinetófono que unificaba el sonido con la imagen. La película con la banda sonora grabada en un quinetoscopio iba sincronizado por una correa al fonógrafo.

Años despues, otros intentaron darle sonido al cine como Dèmeny, Pathé, Gaumont y Lauste entre otros, pero no consiguieron dar buena calidad al sonido y ni a las películas debido a problemas de sincronización.

Es en 1926 cuando se estrena en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada. El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de Jazz. Y, la primera película sonora en recibir una aprobación crítica casi universal fue El ángel azul estrenada el 1 de abril de 1930, dirigida por Josef Von Sternberg.  En el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron, y con razón, que sus voces no fueran adecuadas a los cambios, y todos fueron obligados a «pruebas de voz». A pesar de que la mayoría de los actores superaban las pruebas, actores significativos, aunque no por causa de la voz, quedaron en el camino (John Gilbert, Buster Keaton...).

EL SONIDO ANTES DEL SONORO

Antes del cine sonoro ya existía el sonido en el cine y se dice que rara vez se presentaron películas en silencio.

Prueba de ello es que en 1897, los hermanos Lumiére contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañara sus sesiones de cinematógrafo en su local de París. En aquel entonces compositores de valía, como Saint-Saéns compusieron partituras para acompañar la proyección de un filme.

Músicos y compositores tenían en el cine mudo una fuente de ingresos. No sólo la música, también los ruidos y acompañamiento tenían cabida en el cine mudo, por lo que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para producir sonidos. Este sistema era solamente posible en grandes salas, en ciudades o lugares de público poderoso, y en muy pocas podía apreciarse en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran válidos para hacer música en el cinematógrafo aunque el piano era el más envidiado.

Algunos experimentos habían demostrado que las ondas sonoras se podían convertir en impulsos eléctricos. En el momento en que se logró grabar en el celuloide esta pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen, y por lo tanto hacer sonoro el cine.

Impresionismo

Este estilo valora el naturalismo, el estilo directo, e ir más allá de los esquemas melodramáticos. El cine impresionista fue llamado así porque los autores pretendían que la narración representara la conciencia de los protagonistas, en otras palabras, su interior. Otorgan importancia a la emoción y a la narración psicológica, la expresión de sentimientos y los estados de ánimo de los personajes.

Se destacan en este campo Henri Chomette, Marcel L'Herbier, Germanie Dulac y Jean Epstein. Una de las películas más representativas del movimiento es 'La Rueda' realizada en 1922, del director Abel Gance.

Surrealista

Combina la imagen con la búsqueda de sensaciones y la expresión de sentimientos. Predominan imágenes absurdas que rompen con la lógica temporal. El surrealismo se presenta como un medio de liberación del espíritu y una revolución que ataca al orden lógico, estético y moral. Así mismo, ataca los pilares de la sociedad burguesa y sus valores incuestionados.

Se trata de hacer valer el lado oscuro de la vida, como el azar, lo esotérico y lo onírico, de forma que la realidad se define por el sueño libre y por la imaginación del subconsciente. Las dos películas de referencia del cine surrealista son 'Un perro andaluz' (1929) y 'La edad de oro' (1930), ambas dirigidas por Luis Buñuel, en colaboración con el pintor surrealista catalán, Salvador Dalí.

Cine expresionista alemán. (1905)

 En él prima la expresión subjetiva sobre la representación objetiva de la realidad. Es el cine que se realiza en la Alemania de Weimar. Se aprecia la expresión de sentimientos y la emoción por encima de la representación de la imparcialidad; para ello se utilizaba la deformación de las cosas, el mundo interior, la angustia y las alucinaciones del artista. Destaca la película 'El gabinete del doctor Caligari' (1919).

Junto a estos movimientos ligados a las vanguardias históricas de principios del siglo XX existen otras manifestaciones cinematográficas:

Cine Ojo (Años 20). Teoría cinematográfica creada por el documentalista soviético Dziga Vertov.

Las características principales son la objetividad, el rechazo al guion y a la puesta de escena, y la utilización de la cámara como ojo humano.

Cinéma Pur (Años 20)

Corriente francesa centrada en los elementos puros del arte cinematográfico, como la forma, el movimiento, el campo visual y el ritmo.

Realismo Poético Francés (Años 30, 40). Movimiento de cine cuyas características son producciones que se asemejan cada vez más a la realidad, si bien sus temáticas son ficcionales ya no recurren a la fantasía, el género más recurrente será el melodrama. Existía la necesidad de representar una realidad libre, manteniendo un equilibrio entre la velocidad y la belleza estética. (Foto abajo: Película un millón de años antes de Cristo).

La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas convenciones de género y los géneros cinematográficos.

El primer cine era documental. Escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental como tal  nació en 1922, con el filme 'Nanook el esquimal'. Aunque nunca demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos clásicos, como por ejemplo El mundo sumergido, de Jacques Cousteau.

El cine histórico y bíblico. Esta temática caminaría de la mano en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado películas sobre la vida de Cristo (por ejemplo, Del pesebre a la cruz (1912). Sin embargo, el cineasta que le dio luz verde al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con cintas como 'Los diez mandamientos' (la versión original de 1923 y el remake de 1956), Rey de reyes (1927) o Cleopatra (1934). Otro clásico de época es 'Lo que el viento se llevó', estrenada en 1939.

El cine de gansters y el cine negro, de 1930. Estos dos géneros cinematográficos están estrechamente hermanados. Éxitos claves del cine gangsteril fueron 'Scarface' de 1932 o 'Hampa dorada', y un director clave fue Howard Hawks. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, y sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929.

Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich. Quizás el actor más asociado con el género es Humphrey Bogart, con clásicos como 'Casablanca', 'El halcón maltés' o 'El sueño eterno'. (Fotos abajo: Películas Scarface y Metrópolis).

El cine fantástico y de ciencia ficción. También experimentó su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. Ya Georges Méliès había diseñado una curiosa fantasía llamada 'De la Tierra a la Luna', vagamente basada en la novela de Julio Verne. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue Metrópolis, de Fritz Lang (1927), la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores, pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla, costoso para los cánones de la época, y que relegó a la ciencia ficción fílmica al plano de simple entretenimiento, sin mayor trascendencia intelectual, estigma que pesaría sobre el género hasta el año 2001 cuando aparece la cinta 'Odisea del espacio' (1968).

El cine de terror de 1930.  Coincidiendo con la Gran Depresión de Norteamérica y el Nazismo, de Adolfo Hitler, se puso de moda con clásicos como Drácula (con Béla Lugosi, dirigida por Tod Browning, en 1931), o El doctor Frankenstein de James Whale, con Boris Karloff (1931). Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror.  (Foto abajo: Película Cantando bajo la lluvia).

La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género harto más amable, incluso de evasión, en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines. Los más importantes fueron la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire. El gran clásico del género es 'Cantando bajo la lluvia' (1952).

Un género típico de los Estados Unidos que se desarrolló en aquellos años fue el Western, en particular gracias al trabajo de cineastas como John Ford. El gran actor de westerns de la época fue John Wayne. El género fue muy exitoso en Estados Unidos, por construir una mitología fílmica de carácter nacionalista.

El cine de aventuras y de capa y espada. También tuvo su época y fue muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas. Quizás el más recordado héroe posterior a Douglas Fairbanks sea Errol Flynn (Capitán Blood, 1935), quien más o menos tomó su relevo en la década de 1930. (Foto abajo: Película Río Rojo).

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939)

Una de las cintas más famosas de la historia del cine. Basada en la novela del mismo título de la escritora Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer). La historia de este filme registra que su rodaje duró 125 días, y  su realización supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica de aquel año  Fue la película más cara (U$S 4,25 millones) que se había rodado pero también de las más galardonadas:  recibió 10 premios Oscar, récord que mantuvo hasta 1959.

Argumento. Scarlett O’Hara protagonizada por la actriz Vivien Leigh, es una bella joven caprichosa y pasional, que vive en una enorme mansión del sur de los Estados Unidos, rodeada de grandes lujos y dueña de varios esclavos negros. Lo único que no puede conseguir es a Ashley Wilkes (Leslie Howard), el hombre del que está enamorada y que, a su vez, está comprometido en matrimonio con su prima Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una dulce y cariñosa mujer incapaz de odiar.

La Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes sureños arden en deseos de entrar en combate. No así Rhett Butler (Clark Gable), un hombre atractivo que no tiene más interés que su propio beneficio. Butler se enamora de Scarlett durante una fiesta en la hacienda  los 'Doce Robles', de propiedad de Ashley, y no cesará en su empeño de lograr su amor durante todo el filme.

EL MAGO DE OZ (1939)

Una película musical fantástica filmada en 1939 en Estados Unidos y producida por la Metro-Goldwyn-Mayer. En la actualidad, es considerada una película de culto, a pesar de su proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil. El filme está basado en la novela infantil de L. Frank Baum.

Argumento. Dorothy (Judy Garland) es una joven que vive en la casa de sus tíos en Kansas. Cuando un tornado atraviesa la región, la casa de la joven es absorbida con ella dentro. Cuando el huracán termina, Dorothy descubre que ha aterrizado en un mundo extraño y maravilloso, Oz, donde existe la magia. Deseosa de volver a casa, Dorothy comienza a recorrer el camino de baldosas amarillas, una senda que la lleva hasta Ciudad Esmeralda, hogar del mayor mago que habita en Oz.  Solo él podrá devolverla a Kansas.

Durante el camino Dorothy conocerá a distintos compañeros de viaje: un león cobarde (Bert Lahr), un espantapájaros sin cerebro (Ray Bolger) y un hombre de hojalata sin corazón (Jack Haley). Juntos seguirán el camino para pedirle una cosa cada uno al mago de Oz (Frank Morgan). El león le pedirá coraje, el espantapájaros un cerebro, y el hombre de hojalata un corazón. Sin embargo, por el camino deberán enfrentarse a distintos peligros, como a las malvadas brujas que no desean que alcancen su meta. 

EL LADRÓN DE BAGDAD (1940)

Película producida por Alexander Korda empresa's London Films de Inglaterra, y que debido al inicio de la Segunda Guerra Mundial su rodaje tuvo que ser terminado en California. El filme ganó los premios de la Academia de Cinematografía, Dirección de Arte (Vicente Korda) y Efectos Especiales (Lawrence W. Butler y Jack Whitney) y marca el uso  del bluescreening en el cine. También fue nominada a mejor banda sonora.

Aunque esta producción es un remake de la versión hecha en 1924, las dos películas tienen diferencias significativas y lo más importante: el ladrón y el príncipe son personajes separados en la versión de 1940.  

Argumento. El rey Ahmad (John Austin), que gobierna en Bagdad, es engañado y encarcelado por su visir Jaffar (Conrad Veidt). Durante su encierro, Ahmad conocerá a Abu (Sabu), un ladronzuelo que le ayudará a escapar a Basora, en donde el joven rey se enamora  de la bella hija del sultán. Pero a Ahmad le saldrá un duro competidor, Jaffar, quien se ha tomado el poder en Bagdad y pretende conquistar a la princesa de Basora (June Duprez). 

Dirección: Ludwig Berger, Michael Powell y Tim Whelan. Intérpretes: Sabu, Conrad Veidt, June Duprez, Rex Ingram. Premios: Tres Oscars: Mejor fotografía, efectos especiales y dirección artística.

CASABLANCA (1942)

Película norteamericana de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy, protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. Casablanca  está una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943.

Argumento. Durante la Segunda Guerra Mundial Rick Blaine (Humphrey Bogart), un estadounidense cínico, amargado y expatriado, administra el local nocturno más popular de Casablanca (Marruecos): el Café de Rick, un lugar exclusivo y un antro de juego que atrae clientes de diversa índole: gente de la Francia de Vichy, oficiales de la Alemania nazi, asilados políticos y ladrones. A pesar de que Rick asegura ser neutral en todos los campos, se revelará más tarde su participación en el tráfico ilegal de armas hacia Etiopía, que tendría como objetivo combatir la invasión italiana de 1935, y en la Guerra Civil Española del lado republicano.

Una noche, un criminal menor llamado Ugarte (Peter Lorre), llega al club de Rick portando unas 'cartas de tránsito' ('letters of transit'), documentos valiosos que ha conseguido tras asesinar a dos mensajeros alemanes. Se trata de una especie de salvoconductos que permiten a su poseedor el libre tránsito a través de la Europa controlada por los nazis, y llegar incluso a la neutral Lisboa (Portugal), de la cual se podría partir hacia Estados Unidos.

Los documentos tienen un valor incalculable para cualquiera de los refugiados que esperan en Casablanca su oportunidad de escapar. Ugarte planea vender los salvoconductos esa misma noche pero, antes de que la compraventa tenga lugar, es arrestado por la policía local al mando del Capitán Louis Renault (Claude Rains), un corrupto oficial de la Francia de Vichy que solo quiere complacer a los nazis. De manera subrepticia, Ugarte deja las cartas al cuidado de Rick porque «de algún modo, debido a que tú me desprecias, eres el único en quien yo confío».

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (1968)

Película estadounidense de ciencia ficción de 1968 basada en la novela homónima de Pierre Boulle y la primera de la franquicia 'El planeta de los simios'. Franklin Schaffner dirigió la película protagonizada por Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter, Maurice Evans y James Whitmore.

El desarrollo de esta cinta comenzó en 1960 cuando Rod Serling, creador de La dimensión desconocida, desarrolló un primer guion que fue descartado porque al ser demasiado fiel a la novela implicaba una gran suma de dinero, escenarios y efectos especiales. Michael Wilson fue el encargado de reescribir el guion de Serling, y a petición de Schaffner mostraba la sociedad de los simios más primitiva para reducir los costos de producción

El éxito de este largometraje llevó a la producción de varias secuelas y precuelas, una serie de televisión cancelada en su primera temporada y otra de dibujos animados (más apegada a la novela de Pierre Boulle, La planète des singes) en las décadas de 1960 y 1970.

La película fue postulada a los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en las categorías de mejor banda sonora y mejor vestuario. Obtuvo un premio honorífico por la calidad del maquillaje (en 1969 no existía esta categoría en los premios Óscar). El maquillaje había supuesto el 17% del total del presupuesto. La cinta narra la historia del astronauta George Taylor, quien junto a su tripulación tiene un aterrizaje forzoso en un planeta habitado por simios inteligentes.

Las primeras cinco películas sobre los simios comienzan a ser producidas en 1968 y terminan en 1973, de la mano de  Arthur P. Jacobs y distribuidas por la 20th Century Fox. Estas cuentan la caída de la raza humana y la ascensión de una raza de simios inteligentes a través de los puntos de vista de los astronautas George Taylor (Charlton Heston) y John Brent (James Franciscus), la simia Zira (Kim Hunter) y el simio Cornelius (Roddy McDowall) y su hijo César también interpretado por McDowall).